分享贴，解读美术学习方法和理论知识

会吹的鱼

张老师免费为各位陪读妈妈，解答美术方面的问题，纯粹分享

介绍下素描的定义

素描是「观念」「IDEA」。也是所有图形行为的基础，尤其是绘画的基础。到了现在，素描已被认为是一种专门的表现技法，包括线条的描绘、光影、重点、调子等。  素描是指在绘画上的基础表现，由於绘画的主要造形元素是线条和色彩，要在有限的二度空间上，发挥无限的美的情境，就必须对造形表现的技法运用熟练，方能随心所欲的达成。於是素描便是画者利用最简单的工具，将美的意念经过观察、体验、想像、选择、重组等的努力，而做下的纪录。  由於它重在绘画发展的过程，因此，可能有各种试探的实验性，所以素描表现的内容与形式，也是多样而丰富的

素描介绍


个人作品
  

会吹的鱼

色彩-水粉篇


水粉画是以水作为媒介，这一点，它与水彩画是相同的。所以，水粉画也可以画出水彩画一样的酣畅淋漓的效果。但是，它没有水彩画透明。它和油画也有相同点，就是它也有一定的覆盖能力。而与油画不同的是，油画是以油来作媒介，颜色的干湿几乎没有变化。而水粉画则不然，由于水粉画是以水加粉的形式来出现的，干湿变化很大。所以，它的表现力介于油画和水彩画之间。水彩画的特点是颜色透明，通过深色对浅色的叠加来表现对象。而水粉画的表现特点是处在不透明和半透明之间。如果在有颜色的底子上覆盖或叠加，那么这个过程，实际上是一个加法，底层的色彩多少都会对表层的颜色产生影响，这也就是它较难掌握的地方。但是，有经验的画家往往就是利用它的这种特性来表达水粉色彩自身的和特有的艺术魅力。

会吹的鱼

学习色彩，9大优势

     1、社会发展大方向，时尚潮流之趋势。

社会趋势是物质需求为重点开始转向精神消费品质，利用色彩知识扮靓将是现时代美丽方式的主流：美国人在1970年代就有了私人色彩顾问；而国内目前色彩消费以每年200亿的速度增长。

2、改变自我形象，改善生活。

改变形象，让生活变的积极向上。每天看着自己穿漂亮的衣服，一天的好心情油然而生。工作和生活焉能不积极？别人的赞美将是你努力积极的新源泉！生活中很多地方需要形象来诠释，朋友交往、求职应聘、宴会商谈等等，无声的视觉冲击可能比语言更有说服力！

3、提高品位，魅力初现。

品位来自优雅、个性、智慧的体现，色彩知识指导的美丽是理性而科学，把合适的衣服穿在合适的人身上，是智慧；天天都能展现一个全新的自我，是个性；落落大方、款款深情，是优雅！

4、感染你身边的人，赢得尊重和敬佩。

给身边的人展示才华，交往是快乐的，把优势呈现给朋友，是获得朋友敬佩和尊重的砝码；看着你身边帅哥靓妹穿着不适当时，你会有一股冲动想把你知道的告诉他（她），而当她在你的指导下大有改观，你的优势就体现出来，朋友就会对你刮目相看。

5、艺多不压身。

多一门技术，多一些生活的知识。我们都知道色彩在我们的生活无处不在，可能不经意间，你将会用到它：家庭装饰，自己是不是可以做个性化装饰？探亲访友，礼物的赠送，色调和包装是否更应注意细节，而体现出你对朋友的无微不至关怀。……

6、节约时间和金钱。

为自己节约时间和金钱，学习色彩后，你将对琳琅满目、纷繁复杂的服装有一个清晰的思路，所以很多衣服基本不用去花时间看，有些钱，也大可不必再花；把这些时间利用来做更多有意义的事情。

7、增进亲情关系融洽。

为家人做个一个整体的形象打造。既能锻炼自己的实际操作能力，又可以为亲情更增添一分融洽感：对父母是孝敬的表现，对兄弟姐妹是关怀，对晚辈是爱护。

8、个性得到自由发挥。

没学过色彩前，只知道去模仿别人，却又不好看。或者有些本身就是适合你的款式和颜色，但却没勇气穿，现在就不用怕了，只要是色彩知识认为是适合你的，你就大可不必，再有顾虑。

9、为将来的人生规划做铺垫。

国家人均文化水平在提高，九年义务更是免费，当年高考扩招，如今一大批具有大学文化的知识青年开始“井喷”式走向社会，这就是“80后”，这些人时尚、紧跟国际流行接轨，喜欢尝试新生事物（基本能概括他们这个年代的个性）！这些人以后将是色彩行业的主导力量。做色彩首先从自我形象改变开始，占得先机

特别承诺：四节课以后，在我的教学方式下，学生会显著提高成绩，每节课都会留联系作业，请家长监督和配合！

【水粉画的基本技法】

　　调色
　　写生时调配色彩是建立在正确观察和理解对象的色彩关系的基础上。调配颜色不能孤立的看一块，调一块，画一块。而要考虑整个的色调和色彩关系，从整体中去决定每一块颜色。水粉画写生色彩不易衔接，也应该在明确色彩的大关系的基础上，把几个大色块的颜色加以试调，准备好再往上画。切忌脱离整体，看一块，调一块，画一块，接着又调一块改一块。水粉画颜色湿时深，干后浅，干湿变化明显。如果调色时使用粉(白色)多，或已经画了较厚的色层，再着色作画，又使用的是吸水性强得纸，颜料的干湿变化就更显著。这使水粉画调色不容易做出正确的估计。造成色彩衔接、覆盖和修改上的困难。这是水粉画的一个明显特色和难点。初学时要特别注意这个问题。所以入手时要先画重颜色。一般来说，趁画面湿时，颜色湿与湿比，一口气画完，色彩关系容易掌握。如果在一色已干的情况下再衔接、覆盖颜色，就要注意颜色的干湿变化。

　　水的使用
　　水的使用在水粉画中虽然不及水彩画中那样重要，但是也是不可忽视的。水，主要起稀释、媒介的作用。调色、用笔和色层薄变化，都与水的使用有密切关系。一般来说，适当地用水可以使画面有流畅、滋润、浑厚的效果。过多的用水则会减少色度，引起水渍、污点和水色淤积。而用水不足又会使颜色干枯、粘厚，难于用笔。通常用水以能流畅地用笔、盖住底色为宜。在画暗处、虚处和远处，一般可适当地多用水，以增强其虚远和透明感。从作画步骤来说。在铺大调子时水要用的多些，使色层较薄，便于再往上着色。在作画过程中，水太脏了要及时换。尤其是画色彩鲜明的部位，调色用水要洁净。

　　白色的使用
　　水粉画调色时白色的使用和油画相似，用的比一般颜色要多。调用白色的主要作用是增强色彩的明度，降低色彩的纯度，在画近处、实处和高光处时，多调用白色，有助于形体的塑造，使其鲜明、结实和突出。关于调色、水和白色的使用，还需要和用笔以及整个画面色彩的干湿、厚薄结合处理结合起来考虑，要从表现不同对象的需要出发，做到有变化而统一。总的来说，初学时要注意两种倾向：一种是过多的用水，不敢用鲜明厚实的色彩来塑造形象，造成画面缺乏色彩对比、形象单薄。另一种是过多地使用白色，不懂得恰当地用水的好处，而使画面“粉气”、滞闷。这两种毛病的产生，有的是与初学者先接触过水彩画或油画有关。先画过水彩画的，要防止第一种过多地用水的毛病。先画过油画的，则要避免第二种过多地调用白色的毛病。至于在有了一定的基础之后，水和白色的使用又常与作者的个人爱好、技法特点有关。爱用薄画法、湿画法作画的，一般水的使用便多些。而爱好厚画法、干画法作画的，水的使用便少，白色的使用则较多。


　　用笔

　　由于各种类型的笔都可以用来作水粉画，因此水粉画的用笔技巧是异常丰富的。并且是在借鉴油画。国画和水彩画笔法的过程中，不断加以发展的。水粉画中常见的笔法。
　　“平笔法”——笔迹隐蔽。画面色层平整；
　　“散除法”——笔迹显露，但色层厚薄变化不显著；
　　“厚除法”——色层错综重叠，用色较厚、厚薄相间；
　　“点彩法”——利用光色的空间、初觉混合原理，用密集的小笔触（色点）塑造形象。（这种笔法用得较少，较难掌握，初学时不宜过早效仿）
　　此外，水粉画也吸收了油画的刀画技法。可用油画刀作画，也可用自制竹刀作画。水粉画在吸收其它画种的用笔技法时，必须从水粉画的特点、性能出发，目的是为了丰富水粉画的技法，增强水粉画的表现力。一般在画虚处、远处和暗部、阴影时，笔触要模糊些、平些、颜色薄一些，以增加虚远感。而在画近处、实处和亮部时，笔触则要显露些、颜色要厚一些，以增强其结实、突出、明晰的效果。当然这些都需要从整幅画的处理意图出发，运用不同的笔法。笔触也有一个整体性的问题。一幅画的用笔也要有变化而统一，形成一种节奏感。要防止缺乏整体处理意图的凌乱用笔。


　　衔接
　　水粉画由于颜色干得较快、干湿变化显著，又加之用水，颜色会在画面上流动，渗化和容易产生水渍，因此熟练地掌握好衔接技巧，对于画好水粉画关系很大。水粉画的衔接主要可以分为湿接、干接和压接这三种方法。
　　所谓湿接，是邻接的色块趁前一块色尚未干时接上第二、三块颜色。或是两块相邻的颜色碰接上。或是一块颜色中趁湿点入其它颜色，让其渗化。再或在笔头的不同部位分别蘸上几种不同的颜色，画到纸上时利用笔肚的水分，让其自然化接。
　　所谓干接，就是邻接的色块在前一块颜色已经干了的时候，再接上第二、三块颜色。
　　所谓压接，就是相邻的色块（形体的转折或不同的物物体），前一块色画得稍大于应有的形，第二、三个色块成一种节奏感。要防止缺乏整体处理意图的凌乱用笔。接上去时，是压放在前一块色上，压出前一块色应有的形。进行压接时，要注意颜色（压接上去的颜色）的盖色力和粘着性，一般来说压上去的这块色要比已画的色块稍厚一些。

　　覆盖
　　所谓覆盖，就是在已画的色层上再画上一层或数层颜色。覆盖的主要作用可以概括为两点：一是使画面色层重叠，厚薄有变化，是塑造形象的一种技法；二是一种修改方法。水粉画颜色的盖色力是比较强的，但又各有差异，加上作画时调用清水，覆盖时掌握不好就容易使底色（被覆盖的色层）泛起，产生水渍，造成色彩污浊。有时又故意用很薄的颜色覆盖，让底层色透露出来。这些具体效果都不容易估计，所以要掌握好覆盖技巧也并非易事，得慢慢捉摸。

会吹的鱼

【水粉画的性能材料及作画工具】

　　关于固有色
　　固有色，就是物体本身所呈现的固有的色彩。对固有色的把握，主要是准确的把握物体的色相。
　　由于固有色在一个物体中占有的面积最大，所以，对它的研究就显得十分重要。一般来讲，物体呈现固有色最明显的地方是受光面与背光面之间的中间部分，也就是素描调子中的灰部，我们称之为半调子或中间色彩。因为在这个范围内，物体受外部条件色彩的影响较少，它的变化主要是明度变化和色相本身的变化，它的饱和度也往往最高。
　　（1 ）起稿开始象画素描一样，先用铅笔定位置和比例，不必用橡皮，以免损坏纸面，影响着色效果。接着用颜色定稿，根据静物的色调，用赭褐或群青色定稿皆可。色线可略重一点，并可用定稿
　　之色薄薄地略示明暗，为下一步的着色作铺垫。造型能力强一些的，也可直接用色线起稿，不示明暗，直接着色。
　　（2 ）铺大色调定稿之后，迅速地观察一下整体色调和大色块关系，做到胸有成竹，尽快地薄涂。此刻不要考虑形体与笔触，根据新鲜的色彩印象大胆挥洒，造成画面的色彩环境。有的人在完成上一遍色后，就急于具体刻划。应进一步调整大色块的关系，使色彩之间的关系和总的色调，与实际感觉相吻合。
　　（3 ）具体塑造在大关系比较正确的基础上，进一步进行具体塑造，从画面主体物着手，逐个完成。集中画一件物体干湿变化易于掌握，也易于塑造其受光与背光不同面的色彩变化。此时眼睛要随时环扫周围，从局部入手但不能陷入局部，顾此失彼。要看该物体与背景和春他物体的关系，掌握分寸，细节可留下一步刻划。这一遍色用色要适当加厚，底色的正确部分可以保留，增加画面的色彩层次。
　　（4 ）细节刻划对琐碎多余的细节固然可省略，但对表现物象特征与质感的重要细节应加强刻划，画龙点睛。细节要综合到整体之中。最后的笔触最为重要，它将不被覆盖而显露给欣赏者。
　　（5 ）调整、完成画室外一幅静物写生，作为基本练习一般以八小时为宜，力求深刻准确。熟练之后三、四个小时也可以表现得比较充分。作画时间较长，眼睛容易疲劳，色感容易减弱，具体刻划又容易忘记整体。在写生接近完成的时候，恢复一下第一印象，检查一下画面：在深入刻划时是否有些地方破坏了整体，局部和细节的色彩有没有“跳出”画面，还有没有其他毛病。检查后，调整、修改、加工。错误之处，如画得太厚，要洗掉再画，直至完成。水粉画中干和湿的技法应控制到什么程度？有哪些应用范围？水粉画运用的干湿技法，主要指调色时含水和白粉量的多少。


　　干画法：就是说水少粉多的意思，这种画法多采用挤干笔头所含水分，调色时不加水或少加水，使颜料成一种膏糊状，先深后浅，从大面到细
部，一遍遍地覆盖和深入，越画越充分，并随着由深到浅的进展，不断调入更多的白粉来提亮画面。干画法运笔比较涩滞，而且呈枯干状，但比较具体和结实，便于表现肯定而明确的形体与色彩，如物体凹凸分明处，画中主体物的亮部及精彩的细节刻画。这种画法非常注重落笔，力求观察准确，下笔肯定，每一笔下去都代表一定的形体与色彩关系。干画法也有它的缺点，画面过多的采用此法，加上运用技巧不当，会造成画面干枯和呆板。但干画法的色彩干后变化小，对于练习色彩收效较大，也容易掌握。


　　湿画法：此法与干画法相反，用水多，用粉少。它吸收了水彩画及国画泼墨的技法，也最能发挥水粉画运用“水”的好处，用水分稀释颜料渲染而成。湿画法也可以利用纸和颜色的透明来求得像水彩那样的明快与清爽。但它所采用的湿技法比画水彩要求更高，由于水粉颜料颗粒粗，就要求湿画时必须看准画面，湿画部位一次渲染成功，过多的涂抹或多遍涂抹必然造成画面灰而腻。但这种画法运笔流畅自如，效果滋润柔和，特别适于画结构松散的物体和虚淡的背景以及物体含糊不清的暗面。如发挥得当，它能表现出一种浑然一体和痛快淋漓的生动韵味。它的色彩借助水的流动与相互渗透，有时会出现意想不到的效果。为制造这种湿效果，不但颜料要加水稀释，画纸也要根据局部和整体的需要用水打湿，以此保证湿的时间和色彩衔接自然。有关湿画法的控制及实际操作运用，上述画法步骤中已讲得很多，不再一一细述。

　　水粉画干湿画法的特点以及应用范围，基本上如前所述。要特别说明的是：干画法与湿画法的分界是以画笔含水量的多少来决定，一般人认为用粉及用色多了，画得厚了，就是干画法，这不准确，因为必须是粉多、色多、水少才成为干画法。也有人认为粉少、画得薄就是湿画法，这也不确切，只有稀释颜料用水多的情况下才能成为湿画法。因此，可以说有粉多的干画法，也有粉少的干画法。与此相反，湿画法也有粉多湿画法和粉少的湿画法。但不管干也好，湿也罢，仍然以粉使用之得当为佳，这样才不失水粉画的特点。干画法和湿画法，二者在作画时应交叉运用，只是根据画面实际需要，有的湿画法运用多一些，有的干画法运用多一些。如果一幅画用水过多，全部采用湿画法来处理画面，就容易造成失控，使物体松散，并失去色彩光泽。同样，全部采用干画法，靠堆积的颜色和白粉不断加厚画面，就会出现死板、干裂和颜色脱落的情况，画面也难以长期保存。

　　总之，干、湿画法只有根据作画步骤，由湿到干、由薄到厚的顺序合理运，才能发挥干、湿技巧的最佳效果。这是一般的作画过程所遵守的原则，真正运用还要在实践中根据画面要求灵活掌握。水粉静物画技法第一步：这种平摆浮搁的构图给人的感觉很自然，也是一种构图形式。单色起底。用色要注意，造型要准确。第二步：这是一幅紫颜色的画面，紫色不易反复画。第一遍的颜色要争取画准确，使下一步能有一个好的基础。黄与紫是强对比色，通过玻璃盘的灰紫色；把两种对比较强的颜色连接起来，把粉紫色衬布上的梨和桔子的暗部色画得偏桔偏暖、形成对比，很有颜色感、瓷瓶和瓷碗的反射能力较强，在背光的暖颜色加了紫色的成分，使整体颜色处在变化统一的色彩气氛中，很响亮鲜明。第三步：用干画法表现塑造桃子的质感。用小笔调一下的黄绿色，画出桃子的微妙变化；如背光、反光、倒影、桃子之间的缝隙。而粉紫衬布上的黄梨颜色调得很饱和，水分适当。如浅黄加白至中黄过渡到桔加绿，在颜色湿的时候进行衔接，笔触含蓄，表现出梨的光泽质感和韵味。花瓶受光部分的花纹可画虚些，偏蓝紫味。而转折部画的实些，背光带绿味。这一步要注意画面的虚实、强弱、冷暖变化。第四步：这一步是收口工作，要求准而精、一定要整体观察。影响整体关系的地方要毫不犹豫改掉，如花瓶背光的调整，调普蓝加熟褐画出背光里的花纹变化，边缘处调点紫色，明度与后边的衬布接近，使之边缘线含到背光里面，空间感比原来要好多了。桃子之间的关系有些过实，缝隙过重可带点暖色减弱些。玻璃酒杯的边缘用小笔细心画出细线，提出质感、粉衬布靠里边一些地方加了些冷灰色。白碗里的梨边缘也带了几笔。前后形成色彩的**变化和画面的整体协调感。使画面更完整。第五步：调整画面，细部的地方，大体的画面要处理好，杂乱的东西要除去。


　　水粉画的着色方法：水粉画颜色有较强覆盖能力，但也不能毫无顾及地随便乱涂，它有自己一定的着色方法和步骤。

　　从着色顺序方面有如下几种：
　　1、从整体到局部水粉画是色彩画的一种，它同水彩、油画一样，都是从画大色块入手。整体着眼和从大体入手是我们的作画原则，大色块和大片色，对画面色调起决定性作用，应首先画准组成画面的主要色块的色彩关系，然后再进行局部的塑造和细节刻划。
　　2、从深重色到明亮色明亮色多是厚涂，一遍遍薄涂亮不起来。先画深重色，容易被明亮色覆盖；相反，一般是先画面积较大的深重色（包括暗部和明部和重色），予以确定画面色彩的骨架。逐步向中间色和明亮色推移。以明亮色为主的画面，还是要先涂明亮的大色块，颜色稍薄一点，局部小面积的深重色后加上去。如果中间色为主，作画时先涂中间色，运用并置的方法，分别向面积较小的暗色的明亮色画过去。方法不是死的，要根据情况灵活掌握。
　　3、从薄涂到厚画薄涂即用水稀释颜料，如同画水彩画，根据总的色彩感觉，迅速地薄涂一遍，造成画面整体的色彩环境，尔后逐渐加厚，深入表现。薄涂比较正确的地方要善于保留，使画面色彩有厚有薄，以增加色彩有层次和厚重的效果。水粉画颜料不象油画、丙烯颜料附着力强，可随意画厚。水粉画的厚涂要厚的适当，过厚容易龟裂脱落，所以较厚而不准的颜色应洗掉再画。


　　具体着色的技法应掌握下列几种：
　　（1 ）干画法和湿画法在水粉画中，干画法一般是指厚涂重叠的方法。此法可以反复地画，一遍不行再画一遍，表现对象比较充分、深刻，也宜于初学者掌握。这种厚画的画面，类似油画的效果，有浑厚之感。湿画法是以薄画为主，发挥水色渗化的效果，着色遍数不宜多，甚至白色部分可以空出白纸，具有水彩画湿润流动的意趣。当然，一些局部加厚也是可以的，干湿结合会增强表现力。
　　（2 ）并置和重置并置是笔触在画纸上并列摆置，着色遍数较少，开始用色即厚一些。如强调二度空间的画面。先用毛粗暴色线勾一下轮廓及结构，添色时用并置的方法把颜色摆上去，压出色线。
　　重置是一种叠色的方法，以色点、色线、色块进行重叠着色。作画大都是重置与并置结合运用，以利充分地表现对象。
　　（3 ）干湿变化的掌握颜色干湿变化是水粉颜料的特性之一。将颜色涂在画纸上，湿时感觉比较恰当，干后才会发现变淡变灰一些。不了解这一特性往往给着色带来被动。掌握这一特性，事先预计干后的效果，可避免后加之色成为不协调的“补丁”。作画时，应从薄到厚进行着色。先厚画再薄涂干湿变化大；先薄画，逐步减少用水画厚，干湿变化不明显，较易掌握。修改画面时也适合厚涂。也可在要修改的周围涂一点清水，修改的部分干后就会自然统一。
　　（4 ）色彩的衔接画面需两块颜色衔接要自然，从明到暗要过渡圆润，色彩要衔接恰当。方法有三： a、利用湿画，使明色与暗色、此色与彼色，由于水的作用交互渗化，这样效果会自然而柔润。一遍不行，可照此方法再画一遍。b 、在两色之间用中间明度的颜色画上去，虽有明显笔痕，远看过渡自然。c 、两色衔接生硬之处，可用其中一色在邻接处干扫几下，增加过渡的色阶。也可用笔蘸少量清水在生硬之处轻扫几下，使两色衔接处从明度或色彩方面揉出过渡层次，转折即会自然。
　　（5 ）用笔笔色在纸面上运动，出现笔痕，即谓笔触。一般通过画面中的笔触可以看出画家大致的作画顺序和怎样用笔来塑造对象的，用笔不是目的，是一种表现手段，许多画家的笔法是有所区别的，有的大笔纵横，有的小笔点绘。哪一种笔法好呢？怎样用笔才对？应该从表现对象的目的着眼，根据不同物象的不同结构、不同质感和作者的不同感受，立足于表现。要从表现对象出发，为表现形体结构和色彩，灵活运用涂、摆、点、勾、堆、扫等各种笔法进行描绘。
[编辑本段]【水粉色彩纯度与明度的局限性】

　　水粉画在湿的时候，它颜色的饱和度和油画一样很高，而干后，由于粉的作用及颜色失去光泽，饱和度大幅度降低，这就是它颜色纯度的局限性。
　　水粉明度的提高是通过稀释、加粉或含粉质颜料较多的浅颜色来实现的。它的干湿变化非常之大，往往有些颜色只加少许的粉，在湿时和干时，其明度就表现出或深或浅的差别。由于水粉画干后颜色普遍变浅，所以，运用好粉是水粉画技术上最难解决的问题。而含粉的色彩又恰恰是水粉画的魅力所在，它使画面的颜色充满水粉画特有的“粉”的品质，而出现特别丰富的中间色彩。

会吹的鱼

水粉画技法（一）

　　水粉画是使用水调合粉质颜料绘制而成的一种画。它的色彩可以在画面上产生艳丽、柔润、明亮、浑厚等艺术效果。　水粉画的性质和技法，与油画和水彩画有着紧密的联系。它与水彩画一样都使用水溶性颜料，如用不透明的水粉颜料以较多的水分调配时，也会产生不同程度的水彩效果，但在水色的活动性与透明性方面，则无法与水彩画相比拟。含粉意味着对水色流畅的活动性产生限制的作用。因此，水粉画一般并不使用多水分调色的方法，而采用白粉色调节色彩的明度，以厚画的方法来显示自己独特的色彩效果。这一点近似于油画的绘制方法。因为不透明的水粉颜料与油画颜料都是具有遮盖力的颜料，所以水粉画是介于水彩画与油画之间的一个画种，它是通过吸取水彩画与油画的某些方法与技巧而发展形成自己的技法体系的。　在国外，并没有水粉画这一独立的画种。一般都将其包括在水彩画的范畴之中，称为不透明的水彩画，或用水粉颜料绘制的广告招贴画等统称为水粉画。在我国，由于社会经济和文化条件的原因，普及美术和实用美术发展很快，从而促进了水粉画的不断普及与提高。使它具有一套完整而系统的、与其他画种不同的技法，成为在绘画领域中具有群众基础而又受专业画家所钟爱的一个独立画种，进而显示出自己独特的美学价值和艺术风貌。

会吹的鱼

请各位家长提问

会吹的鱼

设计素描只是素描的一种形式，是现代设计的绘画的一种表现形式，是设计师收集形象资料，表现造型创意，交流设计方案的语言和手段。可以说是素描在设计上的一种应用形式。

而超级写实主义则是一个现代绘画的艺术流派，亦称“照相写实主义”。发源于美国，二十世纪六十年代后期逐渐在西方流行。 主张艺术的要素是“逼真”和“酷似”，必须做到纯客观地、真实地再现现实。

设计素描（也称之为结构素描），则以比例尺度、透视规律、三维空间观念以及形体的内部结构剖析等方面为重点，训练绘制设计预想图的能力，是表达设计意图的一门专业基础课，它基本上适用于一切立体设计专业（如产品设计、造型、雕塑等）画面以透视和结构剖析的准确性为主要目的。

设计素描是为了锻炼表达设计意图能力这一目的，它的构图要求没有基础素描那样讲究。在单个物体的构图，只要注意上下左右的范围，四周留出适度的空间就行，表现的对象可以安排在画面正中。设计素描的虚实变化也不太强调。不象基础素描那样把后面的物体画得过虚，因为这对全面、透彻地分析理解物体结构是不利的。构图安排属于审美范畴，设计素描首先要考虑的是分析理解对象的结构关系，所以其构图设想只要不与总要求抵触就行，对统一均衡多考虑一些，而对虚实、疏密也不强调过分，否则就会损害设计意图的表达。

对设计素描来说，作画的过程比画面的效果更重要。设计素描是以表达设计意图为目的，重点就是要放在理解领会对象的结构方面，它强调领悟结构比效果更重要。领悟结构必定要通过有条不紊的作画步骤才能达到。正确的、规范的方法步骤，同时是分析、理解、思维、领悟、推理的过程。作画的步骤不乱，思路清晰而有头绪，在结束阶段就顺利地达到理解形体结构的目的。
设计素描应该注意以下三点:
第一，构图十分重要，最好是非常规构图，层次多一些，平衡关系微妙一些。（三角构图就是常规的，这种看起来虽然稳，但是设计素描注重的是设计，看起来很呆板）如果没有要求，采用竖式构图比较好，这样透视可以很明显。如果你功底不错，试一下偏俯视构图，这样画面冲击力比较强.
第二，设计素描不是不注重明暗，而是尽量用轻薄的笔触来表达物体的体量感。 有的甚至可以不用明暗，也就是大暗部，阴影之类的，用铅笔的力度线条软硬度去表达物体的质感，或者是你想要突出的主题部分。 中点是，千万要对比明确，千万不要灰呼呼的一片没有终点。

第三，设计素描和写生素描最大的区别就是画者的主观控制度加强了，也就是说，你可以大胆一些画，尽可能的多想想一些细节出来，这样才能说服看画的人：你画的物体真实存在，就算看起来有点超现实，但是要明确。千万不要想不起来细节就模糊对待，这样画面会看起来缺乏自信。

会吹的鱼

创意素描与设计功能的关系分析
自从绘画艺术诞生以来，单色绘画，也就是素描，就一直存在于造型艺术相关的各个领域。如果抛开在美术史的早期，作为油画的创作初稿中标示明度变化的功能，素描基本上一直被用作创意的表达。甚至到后来素描成为一种独立的艺术门类。它依然是画家创意的直接表达。

   当设计艺术渐渐与纯艺术分离，素描也渐渐分化，在设计领域中它往往被作为设计草稿或者设计辅助，甚至是设计师对脑中一闪而过的想法的直接纪录。所以他的侧重点更偏向于创意的概念表达而不是艺术审美情趣的表现。

   从绘画技巧上说，创意素描与传统意义上的素描有着一些区别。虽然在一开始都是讲究形体内部结构与外部光影线条的统一。但是当触及设计与美术的分流时，它们表现力就有了明显不同的走向。



   早在文艺复兴时期，许多画家都留下了大量的素描作品。比如丢勒，比如达·芬奇。这两个人的素描作品（有趣的是这两个人的素描都是以线条见长）正反映了创意素描与艺术素描的表现力上的区别。丢勒的素描很少用到复杂的明暗表现，但是从边缘线条的软硬粗细交叠中，欣赏者可以从自己的视觉经验中补足作品中没有完全表述出来的部分。这就构成了一种审美情趣。在这里，素描务求的是从有限的语言中获得无限的含义。它依赖的是欣赏者的理解能力，不同的欣赏者或许会产生不同的审美侧重点和整体印象。

   而达·芬奇的大量关于坦克、载人飞行器、火炮等的设计图纸，也是素描作品。这些素描作品可以说就是早期的创意素描。它务求的是一种可重复性，也就是说，观看者可以根据这些素描图纸制造出达·芬奇本人所创意的事物。并且是唯一的。任何人看到后产生的关于所描绘的物体本身的想法都是一样的。

   这就是创意素描与艺术素描的区别之一：表达信息的唯一性。

   在学生进行素描绘画时，老师会强调学生的三面五调、远近透视关系、构图和画面虚实。这些都是从美术方面来要求的。它是要求从光影变化中体现所描绘的对象。美观是第一位的。

   而创意素描的侧重点则不在于此。创意素描的首要任务是使观者能够直接了解画者的构思。把无法完全用语言描述的实体用画面表现出来。在这里，画面的美观与否并不依赖于画面本身，而是描绘对象的形体是否美观。它不需要绘画者去发掘本来平凡无奇的对象不为人知的美。而是直接诚实地展现一个物品。

   同样是一组静物。在美术专业的学生笔下应该会有各种各样不同的画面出现，而在设计专业的学生笔下，每个人的画面所传达的信息应该都是一样的。

   这是创意素描与艺术素描的第二个区别：表达信息的准确性。



   工欲善其事必先利其器。设计师是从美术家里分离出来的一部分人。他们在具有专门设计能力的同时也具备美术家的基本素养。这一点在对于设计师的教育的一开始就要体现出来。



   落实到具体素描教学的时候，面对的不同专业的学生，素描教学的侧重点要有有所区别。

   当刚入学的设计类专业学生进行素描基础训练的时候，考虑到他们以往的素描学习习惯，马上进行设计素描的学习可能遇到如下问题：

   学生的素描基本功水平差异；对于绘画与设计的区别的混淆不清；对于素描的理解停留在光影表现上等。

   所以在刚入学时的素描课程应保留传统绘画素描的学习上。通过这段时间的学习。教师可以了解学生的绘画水平，纠正一些以往留下的不良习惯。使功底比较差的学生可以有一段继续打基本功的时间，并略过一些用光影表达对象的练习阶段，直接获得用线条表现形体结构的手法。而对于基本功比较扎实的学生则可以慢慢引导他们透过光影关系学会观察内部结构在形体线条上的差别。

这一段传统素描的学习过程并不是要求他们在绘画素描上有所突破，而是让他们在转入结构创意素描的学习之前有一个转换思维方式的缓冲期，调整整体水平。以便正常进入创意素描的学习

当这段缓适学习期结束，要求学生做到：改变入学前对于绘画与设计的不正确关系定位；整体上把握结构素描的基本了解。素描表现手段由光影转变为对象结构；可熟练使用线条表现对象。



   当上述目标基本达到时，可进入创意素描学习阶段。

   首先可以进行一些默写素描、速写的练习。与以前的课程做一个衔接。在观察一组景物之后，学生脱离对象进行多角度、不同构图的假想设定，并用结构画法表现出来。

   完成这一步骤后，可安排一些复杂机械零件的速写与假想角度的默写。以确保学生的表达能力与思维的一致性。

   接下来的课程可以就学生喜欢的商品进行理想化改进，比如：包装设计、产品设计、服装设计、空间构成设计等。要求有设计原型的默写稿和改进设计的表现稿，并简单附带改进说明（改进设计说明是为了训练其设计能力，在设计教育的一开始杜绝胡思乱想）。

   第四个教学步骤可以让学生带着课题进行。参照学生的不同专业拟定一个命题。让学生发挥想象，完成对这个命题的想象，同时让他们运用所有学过的素描手段对自己的想象进行描绘（不限结构、光影等手段）。使学生能够真正是用素描手段自由表达自己的设计创意。



   创意素描的学习其实是伴随学生整个设计学习的始终的。入学初期的集中训练的目的是使学生对于创意素描有一个根本性的观念转变，并熟练掌握创意素描的基本手段和方法。在以后整个设计学习过程中还要使学生能够根据自己的设计创意不断丰富、总结素描手段。并不沉迷于创意素描本身，健康的用创意素描为自己的设计服务。



   创意素描在美术家与设计师之间奇妙的达成了一种默契的协调

会吹的鱼

素描之_线面融合 我们面对的形体，本来是没有“线条”和“点”的，就是我们所感觉到“面”的存在，也是在起伏的千变万化中附着在结构与形体上的。 正对着我们的“面”，侧过去就成为了一道压缩的线条，纵深过去，线条就是成为一个点。这些素描的构成元素，使得我们捕捉对象形体有了得力的手段。但是，在写生过程中，我们又非常容易过于潇洒的使用线条，而导致流畅的浮躁。在找准形体结构的耐心与枯燥的练习中，我们很难逃避划线的乏味；同时也很难抵挡挥洒的诱惑。 可以说，在素描中我们所划出的任何线条都应该具备形体结构的属性，才具有真正意义。不然，就成为了一根或一组废线；而由这些线条所组成的面当然也成了无意义的脏灰色。可能在写生中也会感到一些灰色的“面”，由于我们的感觉其实还处在错觉时，就误以为是一块“面”而画出来，结果仍然是脏灰色而非形体的一部分。 如何避免这种错误的产生，就需要我们始终以对象的结构为中心，不能被动地照抄对象，而要主动、主观的分析与判断对象给我们提供的绘画元素，透过整体的结构去完整的驾驭被画形体。 我们使用的无论是“点”、“线条”还是“面”，都是一种手段，它们本身没有任何的意义，把它们用在我们所刻划的形体上，就成为了人体结构的元素，最终成为所画人体的一部分，而不再是什么点线面了。 中国人物画用线条对衣褶的描画方法，总结归纳出游丝描、琴弦描、铁线描、竹叶描等“十八描”法。西方绘画空间的运用，使得线条的运用融入了面的成分，变得更加丰富多彩。在对形体与结构的观察中，相信每个人的感悟都是不同的。如何运用点线面的融合，将你对形体的理解刻划出来，将是你创造的一个过程。在此之前，不妨也可采用中国传统的训练方法——临摹的学习，来体验一下前辈大师的用笔，再融入自己的体验，相信你的写生将更加的有趣。 素描——结构是真 在素描绘画当中，最关键的当然是结构。 现实中很多画家，由于对人物或物体结构缺乏了解，最后只能走形式的路子，在创作中很难拿出具有深度的力作。虽然我们已经有了方便的照相机（现在都使用数码相机）和扫描仪，可以在电脑中处理图形，能够省却很多造型的麻烦，但是，形是形，结构是结构，并不是一个概念。对绘画的过程而言，形是附着在结构之上的表象，而结构才是对象的支撑；外在形的轮廓无法真正表现对象的内在美。 我们所观察到的对象的外形，那是一种表象，一种轮廓。当对象一旦变换位置，而我们又缺乏对结构的了解，就很难着手。在初学阶段，几乎每个人都经历了利用稳定的三角形来确定形体的大体位置和构图，然后再用小的虚拟的三角形、方形等分解被画对象局部的位置，这样的方法最后只能是比葫芦画瓢，照相般描绘对象。 就像我们已经走过了充饥的年代一样，我们已经走过了缺图的年代，正跨入一个读图的时代。各种图形、图像、图库层出不穷，再用照相的方法——抄照片去再现对象，倒不如干脆去搞摄影算了，那我们还不如照相机来得客观。对画家来说，最难以接受的便是被人夸奖为：看画得多好，像照片一样。也就是说，那些个作品没有强烈、强调和更深层次的东西，缺少画家对形体结构的理解和对对象的内涵表现的创意，这又怎么能算得上绘画的艺术作品呢？ 艺术的真实，并不是纯客观的真实，而是画家通过自己的感官和手，表现画家内心的感受的一种艺术的真实——去粗取精、去伪存真、由此及彼、由表及里的刻画与刻划。

会吹的鱼

人类认识世界的两种基本思维方式是形象思维和抽象思维，形象思维的最高形式是艺术思维，抽象思维的最高形式是逻辑思维。这是人类认识世界的两种最高层次的自觉思维方式。然而它并不是游离于“感性—知性—理性”这个认识过程，也不是两者并列互不相干的思维过程。而是不同领域、不同学科、不同专业，认识事物反映事物的不同心理结构、不同思维方式、不同表达方式而已。绘画艺术则采用艺术思维形式，用形象化的手段解决认识过程中感性与理性的矛盾，通过直观—艺术思维—绘画创作诸心理环节，在艺术实践的基础上以具有审美价值的艺术形象来统摄全局，以达到表现新时代生活的本质。艺术创作的思维过程，无论是向逻辑思维靠近，或是向禅宗思维贴近，还是向哲理思维靠拢，无论是怎样的内涵或表现，绘画艺术都要经过艺术思维的取舍和过滤，要有艺术审美价值，要始终在绘画创作中遵循个性的情感逻辑，力图达到艺术的真实性，这就是在绘画教学中艺术思维教学法的导向和它的价值观。